Jak zmienił się standard kobiecego wyglądu w Hollywood

Kino to nie tylko sztuka i rozrywka, ale także najpotężniejszy dyrygent ideologii, czy to standardy wartości rodzinnych czy relacja człowieka z kosmosem. Wizualna natura kina uczyniła ludzki wygląd jednym z najważniejszych narzędzi artystycznych, a popularność tej sztuki zamieniła piękno w fetysz i skuteczną broń propagandy. Kobiece piękno, które pojawia się na ekranie, pozostaje przedmiotem poważnej dyskusji: obrazy stworzone przez „fabrykę snów” nie tylko zmieniły się z czasem, ale także ją zmieniły. Rozumiemy, jak (i dlaczego) wyglądali filmowi bohaterowie różnych epok i jak doszliśmy do względnej różnorodności kobiecego wyglądu na ekranie.

Pierwsze milczące aktorki filmowe wpadły w to przede wszystkim dzięki swojemu wyglądowi, odpowiadającemu bardzo jasnym wymaganiom. Dotyczyło to mało ludzi: początkowo były dla nich bardziej zróżnicowane role, co oznacza, że różne typy były mile widziane. Okazało się, że łatwiej jest z aktorkami, najbardziej kinowy typ wyglądu został szybko określony. To młoda kobieta o dużych oczach, cienkich, podkreślonych ciemnych ustach do ust, wyrazistych konturach twarzy i bujnych włosach.

Narodziny takiego ideału promowały zarówno moda, jak i specyfika obrazu filmowego, która wymagała jasnych i precyzyjnych, ale nie teatralnych mimiki twarzy wykonawcy. Kobiety w kinie były oczywiście potrzebne do interakcji z mężczyznami - charakteryzują się samotną bezradnością, kruchym pięknem twarzy i ciała. W tym czasie zarówno aktorki dramatyczne, jak i komiczne wydają się być takie: wszystko, od Mabel Normand, partnerki Fatty Arbuckle, po muzę DU Griffitha, Lillian Gish, jest zbliżone do opisanego powyżej typu. Jest to całkowicie zgodne z prośbą widza: mężczyźni patrzą na niewinną i wzruszającą bohaterkę, kobiety chcą być jak ona.

Przed pojawieniem się pierwszych gwiazd filmowych publiczność nie przejmowała się znajomością nazwisk aktorów i nie przyciągały ich cechy poszczególnych wykonawców, ale standardowe postacie, które uosabiali na ekranie. Ponadto z literatury i kina teatralnego odziedziczono niezbyt szeroki zakres tematów i historii, w których uczestniczyły kobiety. Terytorium, na którym kobiety ustabilizowały się, stało się melodramatami. Ten gatunek, który wykorzystuje opowieści o bajkowej miłości i ujawnia tajemnicę kobiecego szczęścia, był popularny wśród widzów. Pierwsza gwiazda filmowa, modelki pojawiły się w melodramatach. Kino pomogło marzyć.

Kobiety-aktorki, zwłaszcza te, którym udało się zbudować udaną karierę, w jakiś sposób stały się zakładnikami obrazów, które nie wykraczały poza ściśle określone ramy. Najbardziej uderzającym przykładem jest Mary Pickford, która przez długi czas pozostawała wieczną „dziewczyną ze złotymi lokami”. Za kulisami aktorka Pickford była bardzo silną kobietą: dorastała w biednej rodzinie, trafiła do Biograph Studios, gdzie bez przerwy występowała, nie wahała się żądać wyższych opłat, aktywnie uczestniczyła w działalności studyjnej, a u szczytu swojej sławy znalazła rolę i wybrała ekipę filmową.

Niemniej jednak, w nazwach jej zdjęć słowo „mały” miga prawie co drugi raz: publiczność chłodno przywitała te filmy, w których aktorka pojawiła się w rolach wieku. Pewnego dnia Mary przecięła swoje słynne loki na znak pożegnania dziecięcego wizerunku, a wieść o tym wydarzeniu rozeszła się po plotkach. Zakończenie tej historii można, niestety, nazwać przewidywalnym: społeczeństwo odmówiło przyjęcia dorosłej kobiety, która nie powoduje ani uczucia, ani pragnienia, by ją chronić. W 1933 roku, po kilku widocznych niepowodzeniach, ukochany Ameryki przestał być całkowicie usuwany. I to nie jest tragedia jednej legendy, ale koniec kariery w Hollywood. Do lat siedemdziesiątych droga kobiety, która postanowiła połączyć swoje życie z ekranem, będzie wyglądać następująco.

Tak czy inaczej pojawiły się obrazy śmiałych, zdecydowanych i silnych kobiet. Jednak najważniejszą siłą napędową filmu, w którym główną postacią jest kobieta, była jej uroda. W jednym z najjaśniejszych osiągnięć bohaterki Vivien Leigh w „Przeminęło z wiatrem” imputowana wspaniała sukienka z zasłon. Marlena Dietrich była postrzegana przede wszystkim jako nieziemski obiekt erotyczny, a do psychologicznie nasyconych ról, które nie wymagały seksualnego zabarwienia, dorastała w bardzo dojrzałym wieku. Do końca swojego krótkiego życia Marilyn Monroe grała tę samą uwodzicielską piękność. W przedostatnim filmie, chłodnym i smutnym dramacie kowboja „Niespokojne” Johna Houston, zajmuje się głównie tym, co ekscytuje oko widza. Czy to nie tańczy i nie śpiewa, jak zwykle.

Studia wciąż wierzyły, że kobiety są potrzebne, aby mogły być kochane przez mężczyzn: prawie każda kobieca fabuła opiera się na historii Kopciuszka, leniwej w oczekiwaniu na księcia. Aby stworzyć nieco bardziej aktywne postacie, kobietom przydzielono filmy historyczne, ale w tych samych warunkach. Katarzyna II, wcielona Marlena Dietrich, martwi się głównie o swój związek z hrabią Razumowskim. W finale jest jednak całkowicie rozczarowany ludźmi w ogóle, aw szczególności ludźmi, co jest trudne do zinterpretowania jako zwycięstwo nad poglądami patriarchalnymi. Widzowie zrozumieją, że nadmierna miłość do wolności czyni kobietę nieszczęśliwą i samotną. Pod tym samym sosem podawano Mary Stuart w „Mary of Scotland” Johna Forda. Katherine Hepburn w każdej scenie spaceruje po niesamowitych kostiumach, a linia miłości w filmie jest o wiele ważniejsza niż historyczna.

Aż do końca lat 60. przemysł filmowy, we współpracy z reklamą i rozwijającym się przemysłem kosmetycznym, kształtuje wizerunek idealnej kobiety. Sam styl hollywoodzkiego obrazu z obfitością sztucznego światła sprawia, że ludzki wygląd posągu jest nierealistycznie ulepszony. Pojawienie się młodej, pięknej, uśmiechniętej gwiazdy filmowej powinno być wspierane w życiu, w którym gazety i telewizja stają się coraz bardziej obsesyjne. Niektórzy, jak Elizabeth Taylor i Marlene Dietrich, mają więcej szczęścia i od dłuższego czasu są w potrzebie.

W tym samym czasie kult młodości i piękna zamknął starzejącą się Greta Garbo w domu i wziął udział w wystąpieniu depresji w Marilyn Monroe. Wśród odnoszących sukcesy aktorek Hollywood bardzo trudno jest znaleźć kobietę o wyglądzie, który wyraźnie ustępuje kanonowi. Jeśli dziś spojrzysz na klasyczną komedię Billy'ego Wildera „Only Girls in Jazz”, sytuacja wydaje się niejednoznaczna: Tony Curtis i Jack Lemmon mają wystarczająco dużo makijażu, peruk i uogólnionych kobiecych wybryków, aby w pełni przekształcić się w stworzenia innej płci. Ale w okolicznościach świata, w którym wygląd kobiet jest zjednoczony do granic możliwości, wątek trawestacji wygląda na organiczny i nie budzi żadnych pytań.

W czasie rozwoju niezależnego filmu stosunek do osoby w kadrze zaczyna się zmieniać. Pierwsze zainteresowanie indywidualną twarzą ludzką pokazał John Cassavetes. W debiutanckim filmie „Cienie” obfitość zbliżeń, nietypowych dla kina amerykańskiego, przybliżyła bohaterów filmu do tych, którzy na nie patrzą. Cassavethis uważnie obserwuje emocje, próbując naprawić swoje refleksje. Film „Faces”, wydany w 1968 roku, jeśli spojrzeć na fabułę, dotyczy tego, co dzieje się z jego właścicielem, objawia się na twarzy osoby. Opowieść o samotnych ludziach, którzy zdecydowali się zostać razem i byli rozczarowani, to tylko wsparcie dla tych szczegółowych portretów filmowych.

To mała rewolucja: zmarszczki, nie ukryte pod makijażem, potargane włosy, przecieki tuszy i nieatryczne poglądy nie były dobrze połączone ze sterylnością hollywoodzkiego kina. Aktorka Gina Rowlands, żona i właściwie współautorka Cassavetes, nigdy nie grała klasycznych piękności. Jej bohaterki z „Twarzy” i „Minnie” i „Moskovits” były wyczerpane i zmęczone, w „Woman Under the Influence” i „Premiere” - szczerze złamane. Przy okazji, Cassavetis nie zasługiwał na miłość mas w domu. Rozwój podobnych pomysłów był kontynuacją postaci New Hollywood. Zasadniczo porzucili eksploatację piękna - lub zinterpretowali ją w zupełnie nowy sposób.

W historii New Hollywood nie ma zbyt wielu kobiet - był to świat chłopców buntujących się przeciwko branży - ale wszyscy są niezwykli. W 1967 roku ukazała się „Bonnie and Clyde” Arthura Penna. Film stał się hitem i był to wielki cios dla hollywoodzkiego blasku. W Golden Hollywood zawsze w każdej prostaczce ukrywała się dama, która w finale musiała pojawić się w całej swojej chwale. Autorzy „Bonnie and Clyde” nie piszą swoim bohaterom żadnych nagród, które zostały im przyznane ze względu na młodość i piękno. Ich odwaga i energia przekładają się na działalność przestępczą - oczywiście jest to romantyzm, ale nie transcendentalny. Historia jest tradycyjnie prowadzona przez mężczyznę, ale Bonnie w jej kultowym berecie jest jedną z pierwszych amerykańskich bohaterek filmowych, którym przyznano prawo do nie dążenia do uczciwości i posiadania rąk. A co najważniejsze - jej piękno nie ma bezpośredniego wpływu na rozwój jej historii. I nie zatrzymuje kul.

Rewolucja seksualna pozwoliła zakończyć poszukiwania niezrozumiałego ideału kobiecości. Sam Peckinpah celowo czyni Amy, bohaterkę „Słomianych Psów”, niezwykle nieskrępowaną. Tym gorzej: wczoraj, zanim ta klasyczna blondynka została ukłoniona, dziś jest gwałcona. Piękno nie jest już obroną i przewagą, aw radykalnym przypadku tego filmu staje się przekleństwem, które budzi zwierzęta w nienormalnych sąsiadach pary.

Natychmiast pojawiły się pierwsze próby zrozumienia życia zwykłej kobiety w kinie „Rachel, Rachel” Paula Neumanna, „Alicja już tu nie mieszka” Martina Scorsese i „Kobiety pod wpływem” tego samego Cassabethis. Aktorki są usuwane prawie bez makijażu, ich kostiumy nie pełnią funkcji dekoracyjnej, wszystkie bohaterki wyglądają dokładnie w ich średnim wieku. Ellen Burstyn („Alice już tu nie mieszka”) i Joanne Woodward („Rachel, Rachel”) są już wtedy bardzo dużymi aktorkami dramatycznymi, ich nazwiska były ważnymi zaleceniami do obejrzenia. Sama Burstyn zainicjowała kręcenie „Alice” iw rezultacie otrzymała jedyny Oscar za najlepszą rolę kobiecą.

Filmy te podkreślają dramatyczne, codzienne trudności w nich łączą się z egzystencjalnym, a bohaterki w skromnych sukienkach wyglądają niecodziennie. Nic dziwnego, że zanim takie postacie - czyli podobne do prawdziwych kobiet - w hollywoodzkich filmach po prostu nie istniały. Wniosek o szczegółowe badanie kwestii kobiet został w ten sposób otwarty. Co więcej, w latach 70. krytycy feministyczni nasiliły się, nie bez powodu oskarżając hollywoodzkie kino o używanie patriarchalnej optyki. Hollywood, które jeszcze niedawno nie liczyło się na żeńskiej publiczności, przełamuje złe nawyki. Ale rozpoczęto.

W latach 60. przeżywa się odrodzenie musicalu, najbardziej udane próbki tego gatunku są tradycyjnie ekraniziruyut. Stamtąd Barbra Streisand i Liza Minelli, które nie mają wyszukanego lub uwodzicielskiego spojrzenia na Hollywood, trafiają do kina. Na Broadwayu artyści oddychali swobodniej - fachowa biegłość w ich własnym ciele i głosie była ceniona ponad zmysłowe usta. Filmy z musicalami niemal zawsze przynosiły komercyjny sukces, a filmowcy próbowali, zapraszali oryginalnych wykonawców ról. Jest mało prawdopodobne, że publiczność chciałaby zobaczyć w „Funny Girl” i „Cabaret” innych aktorek.

Popularność Barbry i Lisy rosła, ale znaczące jest to, że po kolejnej porażce w dziedzinie filmów muzycznych w późnych latach 70. zaczęto strzelać coraz mniej. Streisand udało się współpracować z Peterem Bogdanovichem i Sidneyem Pollackiem, zdobył dwa Oscary i zdobył uznanie krytyków jako reżyser. Jednak w gatunku komediowym nie było to dozwolone. Producenci i właściciele studio wciąż wierzyli, że aktorki o atrakcyjnym wyglądzie przynoszą kasjerowi więcej pieniędzy.

Od końca lat 70. rozpoczął się marsz emancypacji, którego szczyt przypadł na lata 90-te. W dramatach melodramaty i komedie, które nigdy nie były zakazane dla kobiet, poruszyły kwestie rodziny i małżeństwa, zanim rzekomo nie wymagały dyskusji. Dokładniej, małżeństwo zawsze było szczęśliwym zakończeniem historii każdej kobiety, gwarancją wiecznego szczęścia, otrzymywanego jako nagroda za piękno i roztropność. Film „Niezamężna kobieta” Pauli Mazursky zaczyna się koszmarem: mąż bohaterki znajduje młodszą miłość i opuszcza żonę. Trochę się smuci, dopóki nie zdaje sobie sprawy, że nie żyje już w świecie, w którym koniec małżeństwa oznacza koniec życia. W Kramer v. Kramer po raz pierwszy pokazali kobietę, która miała dość bycia opiekunem ogniska; jej linia w filmie jest pożegnaniem złudzeń życia rodzinnego.

W obliczu Jill Kleiberg i Meryl Streep zwykła biała Amerykanka w końcu wyłania się przed masami. To zajęło Hollywood prawie 80 lat. W wyglądzie tych bohaterek autorzy próbują odgadnąć przedstawicieli publiczności: schludni, zadbani, zapadający w pamięć, nie pretendujący do statusu bomby seksualnej. To, jak wyglądają, zależy od tego, co robią. Stopniowo wieczny makijaż przylegający do nich u zarania sztuki kinowej odstaje od kobiecych twarzy, zmuszony do podkreślenia wszystkiego najlepszego na raz i dopasowania każdej twarzy nieco bliżej maski kanonicznej.

Jednocześnie filmowcy, którzy wyczuli, gdzie wieje wiatr, zaczęli łamać ostatnie bastiony oporu. Bohaterki występowały w gatunkach, które domyślnie uważano za męskie. Pierwsza powieść podporządkowana. Gatunek ten był żyzny dla otwartego wykorzystywania obrazów seksualnych: kobiety pojawiały się na obrazach obcych Amazonii lub księżniczek, nosiły obcisłe futurystyczne stroje i makijaż, który na planecie Ziemia uznano za modny dopiero w 2013 roku. I bez wyjątku marzą o seksie.

Wszystkie szalone (i najlepsze) cechy tych filmów zebrały się we francusko-włoskiej „Barbarelli”, w której główną rolę odegrała amerykańska Jane Fonda. Sami Amerykanie nagle pojawili się problemy z adaptacją komiksu z kobiecymi bohaterkami. Od 1967 r. Podjęto trzy próby usunięcia historii Cudownej Kobiety, z których każda nie powiodła się, ponieważ nie była przekonująca. Tego typu bohaterki po prostu nie było w filmie: połączenie przesadnej kobiecości z nadludzką siłą w jednej postaci, a następnie sprawienie, by żyjąca osoba z tego bohatera była portretowana, okazało się trudnym zadaniem.

W 1979 roku ukazał się pierwszy „Alien” Ridley Scott. Ellen Ripley znacznie różniła się od wszystkich kobiet, które kiedykolwiek pojawiły się w filmach o tematyce kosmicznej. Po pierwsze nosiła formę - naprawdę formę, a nie erotyczną parodię jej. Po drugie, prawie nic nie wiadomo o jej życiu osobistym, podczas gdy większość postaci kobiecych została ujawniona w poszukiwaniu miłości. Po trzecie, wizerunek postaci Sigourney Weaver nie zgadzał się z okolicznościami filmu. Sportowa, skupiona ekspresja twarzy, brak oczywistych atrybutów kobiecości; w trzeciej części całkowicie straci włosy, co czyni ją niemal androgyniczną. Początkowo, według scenarzystów filmu, wykluczono wszelkie ślady bohaterów na podłodze, aby skupić się na ich relacjach zawodowych. Ridley Scott nadal tworzy sekcję Ripleya przed ostatnim spotkaniem z kosmitą, za co był wielokrotnie krytykowany. Ale fani dziękują z głębi serca.

W latach 90. tego typu bohaterka jest wspólna: Jordan O'Neill w „Soldier Jane”, Sarah Connor w „The Terminator”. W czasach, kiedy nawet księżniczki Disneya były skłonne do feminizmu, okazało się, że nie dojdzie do upadku, jeśli kobiecie nadano cechy charakteru i zadania, które wcześniej przypisywano tylko mężczyznom. Problem tkwił jednak w najbardziej wyraźnym rozdzieleniu ról, gatunków i postaci. Bezpłciowy eksperyment „The Alien” nie został odebrany, ale atletyczne i odważne bohaterki szybko przeniosły się do kategorii new sexy.

Ponadto w latach 90. nastąpiło kolejne ożywienie w kinie niezależnym, a największe studia chętniej przyjmowały ryzykowne projekty. Operatorzy nowego pokolenia bardzo różnili się od swoich starszych kolegów; Przyszli do kina z nowymi tematami, a więc z nowymi bohaterami. Na ekranach pojawiła się lawina postaci kobiecych, które stały się ikoniczne - Hollywood nigdy nie widział takiej różnorodności.

Kobieta z zawodem „nie-kobiecym” jest w porządku: Clarissa Starling i Agent Scully. Można je spotkać w prawdziwym życiu, zarówno w kwadratowych, jak i przyzwoitych garniturach. Obie pracują w FBI i regularnie spotykają się z rzeczami, które wymagają siły od psychiki. Bardzo wiele bohaterek tej dekady wygląda tak, jakby weszły w kadr, nie przygotowując się. W filmie Harmony Corina i Larry Clark „Kids” debiutuje Chloe Sevigny, stając się w końcu aktorką w niezależnym filmie. Wygląd Chloe nie pasuje do żadnego typu (lub pasuje do każdego z nich), więc trudno jest traktować bohaterkę z emocjami, litością lub obrzydzeniem.

Można to uznać za zaskakująco piękne lub całkowicie nieatrakcyjne. Ale z powodu braku obowiązkowych cech gwiazdy filmowej, jej zanurzenie w ponurym nastoletnim życiu nie wygląda na grę. Jest zbyt podobna do osoby, a wszystko, co jej się przydarza, dotyczy nas bezpośrednio. Ta aktualność wyróżnia wiele aktorek, których kariera rozpoczęła się w latach 90.: Uma Thurman, Kirsten Dunst, Christina Ricci. Лица в стиле ретро действительно понадобились разве что Дэвиду Линчу в "Твин Пиксе" для контраста с окружающим хаосом.

Самым экстремальным образом была переосмысленная по требованию времени femme fatale. Где-то на пересечении героинового шика и старого Голливуда появились Марла Сингер, Лиса из "Прерванной жизни", Эми из "Поколения DOOM". Бледная кожа, чувственные губы, тяжёлый макияж, общий утомлённый вид . Красота за секунду до смерти. Эти женщины заняты разрушением себя и всех вокруг: наркотики, насилие, безумие. Красота, какой её видел Бодлер.

W latach 2000. bramy piekieł zatrzasnęły się i Hollywood, który czekał na krótki bunt, zaczął powracać do sprawdzonych schematów. Rozwój technologii spowodował odrzucenie brudnego i nierównego stylu wizualnego lat 90-tych. Filmy historyczne, kostiumowe biopiki, produkcja filmów przez komiksy - wszystko to wymagało od aktorów jak najlepszego dopasowania do idealnej formy. Wszystkie „non-hollow-correct” ponownie trafiają do niezależnych filmów, seriali i komedii. Nie ma śladu po ostatnich osiągnięciach.

W tym czasie cała praca z tematem kobiecym prowadziła „Sex and the City”. Legendarna seria była pomysłem lat 90. i nadal była zrelaksowana, pozwalała nam być sobą. W 2004 roku została wydana debiutantka „Monster” Patty Jenkins z piękną blondynką Charlize Theron, zmęczona swoją rolą. Theron otrzymała swój pierwszy ciężki Oscar, a co ważniejsze, doświadczenie to po prostu pozwoliło jej nie zostać aktorką jednej roli. W przeciwnym kierunku działają również normy ciśnieniowe.

Pod koniec zera coś się stało. W 2010 r. Na liście nominowanych do Oscara pojawił się film „Skarb” - niskobudżetowy dramat o życiu uczennicy czarnego getta, która marzy o normalnym życiu. Presses ma prawie normalne dziewczęce życie w środku z fantazjami na temat sceny i zakochaniem się w nauczycielu. Ale czeka na drugie dziecko od swojego ojca i dokłada wszelkich starań, aby wydostać się z dołu. Obraz stał się wydarzeniem, ale nie tylko z powodu poruszonych w nim problemów. Główną rolę zagrał Gaburi Sidibe, wówczas jeszcze nieznany i bardzo kompletny. Film był dyskutowany przez długi czas, wiele i na różne sposoby. Z pewnością ma jedno wielkie osiągnięcie - pokazał, że wygląd wykonawcy nie może być bezpośrednio związany z jego dramatycznym potencjałem.

Chociaż istnieją dyskusje na temat tego, czy wykonać, czy ułaskawić plus-rozmiar, nowe nazwiska pojawiają się w filmach i telewizji. Wszystkie te kobiety są zaangażowane w kształtowanie zasad podejścia do siebie. Wszystkie role Grety Gerwig, wymyślone i napisane przez nią we współpracy z Noah Baumbach, to głupie, urocze dziewczyny, które nie rozumieją, co i na co czekają, co nie jest jasne. Jej bohaterki nie są obciążone powagą sukcesu ani nawet jakąkolwiek szczególną pozycją życiową, ale nie traci to swoich głównych zalet. Amy Schumer pokazuje, że kobieta może robić i mówić wszystko, czego chce, a to tylko czyni ją lepszą. Lena Dunham nie boi się popełniać błędów i szczerze dzieli się swoim doświadczeniem. Najbardziej obiecująca młoda aktorka w Stanach Zjednoczonych, Jennifer Lawrence, stale przypomina nam, że osoba na ekranie jest także osobą. Piękno jest harmonią z samym sobą, wszystko inne nie jest takie ważne.

Hollywood najprawdopodobniej nigdy całkowicie nie pozbędzie się dyskryminacji na gruncie zewnętrznym - w końcu jest to najłatwiejszy rodzaj castingu. Ale nie potrzebujemy już „idealnych bohaterek”: sztuka, która nas inspiruje, jest tworzona przez żyjących ludzi. I jesteśmy bardziej podobni do nich, niż się wydaje.

Zdjęcia: Wikimedia Commons, Groundswell Productions, Columbia Pictures, Faces International Films