Sztuka XX wieku w kolekcjach wiosna-lato
W STAŁEJ GŁOWICY WONDERZNEJ opowiada o trendach z podium, które można dostosować do garderoby na najbliższe sześć miesięcy. W tym numerze mamy do czynienia z najjaśniejszym trendem sezonu - sztuką, która pojawiła się w wiosenno-letnich kolekcjach projektantów z Prady do Prabala Gurunga.
Jak to się wszystko zaczęło
Idee świata sztuki zawsze wpływały na projektowanie ubrań i tkanin. W latach dwudziestych awangardowi i fauwiści, kierowani przez Henri Matisse'a, wpłynęli na modę, którą można prześledzić w ubraniach Paula Poireta. Madeleine Vionne lubiła kubizm i stosowała geometryczne kształty i linie w ubraniach, a futurystyczny artysta Ernesto Tayat zaprojektował logo dla swojego domu Vionnet. W latach 30-tych nadeszła pasja do surrealizmu. Elsa Schiaparelli stworzyła guziki w postaci cukierków i orzeszków ziemnych i zaprzyjaźniła się z Salvadorem Dali i Jeanem Cocteau, pokazując jedwabną suknię z homarami, kurtkę, która przedstawiała kobietę, której długie włosy spływały po rękawie i ramiona owinięte wokół talii. Te i inne pomysły pojawią się niejednokrotnie u współczesnych projektantów, w tym w języku rosyjskim (pomyśl o kolekcji Aleksandra Terekhova Jesień-Zima - 2013).
Lata 50. i 60. to czas, w którym moda, muzyka i sztuka przeplatają się, a pojawienie się telewizji kolorowej zakończyło przełom w kulturze wizualnej. Jednocześnie pojawiła się kultura konsumpcji, replikacji i rynku masowego - wszystko, co do tej pory nie straciło swojej pozycji. Młodzi ludzie wpadali do kreatywnych szkół wyższych i uniwersytetów, aw Londynie i Nowym Jorku modne stało się bycie projektantem, fotografem, modelem, grafikiem lub projektantem mody (i nigdy nie przestawało). Projektanci przekwalifikowali się na gwiazdy rocka (na przykład Pete Townsend z The Who lub Keith Richards z The Rolling Stones), a artyści stworzyli plakaty na koncerty i okładki albumów, jak sztuka pojawiła się na każdej latarni.
Nazwy artystów pop-artu wiedzą wszystko: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - byli pierwszymi, którzy odzwierciedlają społeczeństwo konsumpcyjne i kulturę popularną, przedstawiając to, co interesuje ludzi tu i teraz (reklama, telewizja, towary ze sklepów). Ojcem pop-artu jest Brytyjczyk Richard Hamilton, który stworzył pierwszy i najsłynniejszy kolaż „Co sprawia, że nasze domy są dziś tak różne, tak atrakcyjne?”. w 1956 r. Roy Lichtenstein eksperymentował z obrazami komiksów i kreskówek. Andy Warhol, zanim stał się artystą, pracował jako ilustrator we wszystkich modnych redakcjach w Nowym Jorku, miał odpowiednie połączenia i dał zielone światło mieszance gatunków. John Cale z sponsorowanego przez Warhola The Velvet Underground był żonaty z projektantką mody Betsy Johnson, która niedawno wznowiła produkcję odzieży w wieku 72 lat. W tym czasie Betsy stworzyła zabawne T-shirty pod etykietą Youthquake i pracowała w jednym z głównych nowojorskich sklepów - Paraphernalia na Madison Avenue, które współpracowały z Edie Sedgwick i Warholem, który z kolei malował papier do sklepu. mini sukienki i torby na zakupy (wtedy jednorazowe ubrania przyszły na świat).
W czasach rozkwitu pop-artu w latach 60-tych istniała potrzeba taniego i szybkiego projektowania - sklepy szybko reagowały na prośby ludzi. Na przykład sklep Biba na Abingdon Road aktualizował swoje kolekcje co tydzień - jest to technika, która z powodzeniem działa na rynku masowym. Twiggy napisał: „Wszystko wyszło z mody równie szybko, jak się pojawiło. Jednak przyciągnęło to tylko to, co nowoczesne, odepchnęło wszystko, co stare”.
Ignorowanie pop-artu było niemożliwe. Yves Saint Laurent wynalazł w odpowiedzi dzianinowe sukienki z aplikacjami w postaci serc, żeńskich profili, a także ust, które niedawno zinterpretowały Edie Slimane. Po kolekcji „Mondrian” Saint-Laurenta w 1965 r. Stephen Willats stworzył podobną sukienkę „Changing Sheets”, ale tylko z nowego stylu winylu. Pierre Cardin eksperymentował z winylem, a Roy Halston stworzył sukienki z „Kwiatami” Warhola z 1964 roku, które Miuccia Prada zacytowała w kolekcji wiosna-lato 2013.
W latach 80. artysta Keith Haring, znany ze swojego pop-artu, otworzy Pop Shop w Nowym Jorku, gdzie będzie sprzedawał koszulki ze swoimi pracami. Vivienne Westwood będzie także współpracować z Haring w latach 80. w kolekcji Witches, gdzie Brytyjczyk powieli prace artysty ze świetlistymi kolorami, a dziś prace Haringa nad T-shirtami są stosowane przez markę Uniqlo, która również wydała współpracę z nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej. W 1991 roku pop-art ponownie się udowodni: włoski Gianni Versace stworzy ciasną sukienkę z nadrukiem matrycowych twarzy Marilyn Monroe i Jamesa Deana, oddając hołd Andy'emu Warholowi. Uzupełnieniem niekompatybilnych kolorów sukienki będzie gorset w stylu tancerki, ozdobiony cyrkoniami i aplikacjami tkaninowymi. W tej sukni pojawi się młoda Naomi Campbell, a prezydent Condé Nast, Nicholas Coleridge, zauważy, że klient Versace nie jest obciążony „wysoką moralnością”.
Jak teraz nosić rzeczy inspirowane sztuką
Projektanci nie są pierwszym sezonem, w którym można oglądać sztukę, a następnie nakładaniem odbitek na ubrania, reprodukcjami słynnych artystów (często cytuje się tu Bosch i Gauguina), a następnie współpracują ze współczesnymi artystami. Jednak w tym sezonie zauważalny był nacisk na pop-art, chociaż nie obyło się bez Gauguina (widzieliśmy jego reprodukcje na wystawie Aquilano.Rimondi iw kolekcji couture Maison Martin Margiela). W latach 60-tych i pop-artu współczesna moda jest powiązana z komercjalizacją mody i sztuki. Najbardziej uderzającą manifestacją pop-artu była kolekcja Prady - Miuccia Prada przemyśliła twórczość współczesnych i ulicznych artystów: Pierre'a Morne'a, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra i innych. Ponadto, popularne stały się różne marki, które produkują eleganckie sprzęgła: Sarah's Bag zawiera prace Roya Lichtensteina, Yazbukey tworzy jasne sprzęgła w postaci paczki papierosów lub pasty do zębów, brytyjski Lulu Guinness - w formie ust. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott i Ashish na temat pop-artu, pies zjadł: tutaj ty i Coca-Cola, a druk w formie prewencji w telewizji.
Ponadto, Jeremy Scott, w kolekcji następnego sezonu dla Moschino, pokazując owijane sukienki, cytuje pierwsze rzeczy stworzone na potrzeby reklamy w 1956 r., A mianowicie sukienki i spódnice o długości midi Martini Label, w pełni ozdobione logo marki noszonym przez pierwszych fanów rocka. rzuć za darmo napoje festiwalowe. Christopher Kane tworzy spódnice z nadrukiem w postaci replikowanych kolorów, przypominając dzieło lat 60-tych. Raf Simons dla Christian Dior wykorzystuje technikę pop-artu - logomania. Missoni inspirowana jest japońskimi komiksami. Kenzo cytuje nowoczesną grafikę i szkicowanie ołówkami. Prabal Gurung tworzy hołd Marilyn Monroe. Preen jest stosowany do abstrakcji sukienki.
Kilka marek natychmiast zainspirowało się abstrakcyjnym ekspresjonizmem, głównie dziełami Jacksona Pollocka i Marka Rothko. W kolekcji Chanel Lagerfeld drukował odbitki na ubraniach w postaci jasnych plam farby i ozdabiał przestrzeń ekspozycyjną 75 dziełami sztuki z symbolami domu Chanel; obrazy, rzeźby i instalacje po spektaklu zostały przeniesione do Grand Palais w Paryżu. Przed opuszczeniem Jil Sander, Gilles Zander włączył również kilka łuków z abstrakcyjnymi nadrukami w swojej najnowszej monochromatycznej kolekcji wiosna-lato. Phoebe Failo wydała kolekcję „Linia”, która wydaje się pasować do fowizmu i wielkiej wystawy "Henri Matisse: The Cut-Outs, który trafia do Tate Modern do września, nawet Calvin Klein zawiera jeden łuk z abstrakcyjnymi nadrukami.
Jak mówi brytyjski projektant Jonathan Anderson, pokazując kolekcje non-profit, o których krytycy myśleli od dawna: „Dla mnie moda nigdy nie była formą sztuki. Nie można porównywać artysty i projektanta. Różnica polega na tym, że sztuka nie spada na sprzedaż, a wręcz przeciwnie, z biegiem lat rośnie w cenie, ale rzadkie sukienki trafiają do muzeum mody.
UWAŻAJ!
Małe demokratyczne marki od dawna uwielbiają wykorzystywać sztukę do celów komercyjnych, ale zazwyczaj robią to w sposób bezpośredni. Uważaj na wątpliwe bluzy lub torby z reprodukcjami firmy Bosch, Van Gogh lub puszki zupy Campbell. Jeśli nie jesteś gotów zapłacić za pracę wielkiego artysty na drogiej spódnicy, lepiej jest wybrać rzeczy z abstrakcyjnymi nadrukami - są na przykład takie w kolekcji Zara. Dobry zakup będzie wynikiem współpracy ze współczesnymi artystami. I pamiętajcie o tym, co najważniejsze - niezwykłe rzeczy wymagają starannej operacji: połączcie je z czymś minimalistycznym i pozostawcie przerośniętą ekscentryczność Joan Aguzarovej i Andreiowi Bartenevowi.
Zdjęcia: Tate Modern, Getty Images (4)