Powrót luksusu: dlaczego minimalizm nakazywał żyć długo

Jeśli we współczesnym przemyśle modowym i jest osoba, która jest w stanie odczytać pragnienia opinii publicznej z niemal bezwarunkową dokładnością i transmitować je przez ubrania, to jest Alessandro Michele. To on trzy lata temu sprawił, że wszyscy uwierzyli, że granice płci w modzie są niczym więcej jak archaicznym stereotypem, a jednocześnie zręcznie wprowadzili w świat stratosfery mody trend w stylu czytanego intelektualisty intelektualnego z maja 1968 roku.

Stopniowo vinaigrette, który Michele pokazał w swoich kolekcjach dla Gucciego, stawał się coraz bardziej wypełniony dodatkowymi składnikami: oto zarówno złudzenia optyczne w duchu dzieł Schiaparelli z lat 30., jak i odniesienia do późnych lat 70. i Yves Saint Laurenta oraz głośna kakofonia azjatycka , punk, lata 80. i zero. Szczytem wszystkich tych luksusów stały się kolekcje Gucci z 2017 i jesienno-zimowych sezonów rejsowych 2017/2018: w pierwszym nadmierna estetyka połowy lat 2000-tych jest dość prosta, bez dwuznaczności, aw drugim są one całkowicie zmieszane w wiązkę żakardów i cekinów, futer i cyrkonie.

Kreatywność Michele to żywy, ale daleki od jedynego przykładu fakt, że dzisiejsze marki modowe stają się coraz bardziej pewne siebie dzięki minimalizmowi, który był pierwszą połową drugiej dekady XXI wieku. Przez ostatnie pięć lat robiliśmy tylko to, co powiedzieliśmy o przemyśleniu trendów z połowy lat dziewięćdziesiątych: o nowym czytaniu dziedzictwa Helmuta Langa i Gillesa Zandera, o wczesnych kolekcjach Miucci Prady, która po prawie ćwierćwieczu nie straciła znaczenia, o nowej kobiecości, która nie jest wymaga nadmiernej dekoracji (w końcu aktualny program feministyczny ponownie uznał, że kobieta ma prawo lekceważyć tradycyjne kanony piękna dla wygody).

Pomysł osiągnął apogeum wraz z pojawieniem się tak zwanego Normcore - „mody bez mody” - i ostatecznie zamienił się w węża, który sam ugryzł ogon. Jednym słowem, cały czas organizowaliśmy modę, a jednocześnie sami siebie, detoksykację: starannie czyściliśmy, eliminując wszystko, co zbędne, nasze szafy, próbowaliśmy nasycić się pomysłami świadomej konsumpcji i nauczyć się żyć z minimalnym zestawem ubrań, postępując zgodnie z zasadą „lepiej mniej, ale lepiej. Projektanci z kolei zachęcali nas do kupienia jednego, ale doskonałego, zamiast dziesięciu sukienek o skomplikowanym wystroju i kultywowania „nowego” minimalizmu w swoich kolekcjach - po prostu pamiętajcie Phoebe Faylo dla Céline i Rafa Simonsa dla Jil Sander.

 "

Projektanci namawiali nas, byśmy kupili zamiast dziesięciu sukienek o skomplikowanym wystroju, ale idealnie

Dziennikarze mody proklamowali narodziny alternatywnej bohaterki naszych czasów, która ma dość zmartwień i nie podnosi butów do torby, co oznacza, że ​​funkcjonalność i zwięzłość wzornictwa w ubraniach są dla niej podstawowymi wartościami. Jednym słowem, wydawało się, że minimalizm i odrzucenie ostentacyjnego luksusu, które były charakterystyczne dla poprzedniej dekady, pozostawałyby z nami na długo i na ogół stałyby się głównymi postulatami mody, ale tak nie było. Kolekcje ostatnich sezonów coraz bardziej przypominają nam o modzie prawdziwie żywiołowych dekad - lat 70., 80., 2000. - i zwracają naszą uwagę na obszerne puffy noszone przez bohaterki dynastii, logomania i stroje w duch „nosić wszystko na raz”. Wydaje się, że minimalizm próby z 2010 roku nakazał żyć długo - ale dlaczego?

W rzeczywistości, aby zrozumieć, dlaczego nadmiar i celowy luksus powracają teraz do mody, warto spojrzeć wstecz w przeszłość. Jeśli wyobrazimy sobie okresy minimalizmu i warunkowego „maksymalizmu” w formie diagramu, będzie on wyglądał jak jednolita fala sinusoidalna w odstępach około dziesięciu lat. To oczywiście nie oznacza, że ​​każda modna epoka była utożsamiana z pewnym ujednoliconym stylem: na przykład w latach 20-tych kojarzymy się z równym sukcesem zarówno z łukiem shanel a la garçonne, jak iz dziewczętami ubranymi w koralikowe frędzle, ale Lata 30. - dzięki genialnie prostym sukienkom Madeleine Vionnet i Madame Gre oraz ekscentrycznej nadmierności surrealizmu Elsy Schiaparelli. Powodem, dla którego każde nowe pokolenie projektantów (a czasem prawie jednocześnie) starało się obalić kanony stylistyczne i wizualne poprzedniego, była sama istota mody jako zjawiska, jego celu - wzbudzenia zainteresowania opinii publicznej, oferując coś nowego.

Często zainteresowanie nowością skłania nas do konsumpcji mody, co sprawia, że ​​ten obszar jest związany z przemysłem rozrywkowym. Ponieważ ubrania przestały być tylko ubraniami i zaczęły stanowić całość konotacji związanych ze społeczną i finansową pozycją właściciela, jego nawyków życiowych, a nawet pozycji politycznej, możliwość ciągłych zmian i aktualizacji stała się główną siłą napędową mody.

Tak więc u zarania pierwszej fali feminizmu dziewczęta masowo odmawiały ściągania gorsetów, ciężkich spódnic i czapek, co spowodowało, że decyzja o prowadzeniu aktywnego stylu życia w skróconych sukienkach bez zbytniej dekoracji jest znacznie wygodniejsza, a generalnie nie chcą być po prostu pięknie ubranymi dodatkami mężczyźni Powrót do wizerunku kanonicznej kobiecości w następnej dekadzie był podyktowany rosnącą popularnością Hollywood, która w latach trzydziestych zaczęła zarabiać duże pieniądze na przemyśle filmowym (a jednocześnie przyciągać wybitnych projektantów do pracy).

Dziennikarze mody proklamowali narodziny alternatywnej bohaterki naszych czasów, która ma dość zmartwień i nie podnosi butów do torby

Więcej. Przejście od świadomego luksusu lat 50. do zwięzłości lat 60. było, jak wiemy, inspirowane pragnieniem nowej generacji konsumentów mody w efektowny sposób porzucenia ideałów poprzedniej generacji i zbudowania własnego kodu wizualnego, w którym prosty plan prostych sylwetek i użycie niekonwencjonalnego materiały do ​​tworzenia ubrań. Yves Saint-Laurent ogłosił swój powrót do teatralności w modzie, ponieważ jego rewelacyjna kolekcja Libération / Quarante z 1971 r. (Która nawiasem mówiąc była bardzo różna od wszystkiego, co wcześniej zrobił projektant) zainspirowała lata 40. XX wieku i wywołała oburzenie wśród honorowej publiczności. Saint Laurent - świadomie lub nie - wyznaczył modę na nowy wektor, który podążała przez całe lata siedemdziesiąte: wykorzystując celowy kicz, odsłaniając prawdziwy lub wymyślony luksus, by obalić burżuazyjną modę i spokojne symbole stanu starego wzoru.

W taki sposób wyrażania siebie, nowe pokolenie dostrzegło możliwość ucieczki od uczucia coraz większego niepokoju - od trwającej wojny w Wietnamie, kryzysu naftowego w 1973 r. I napięć na świecie w późnych latach 70. i wczesnych 80. XX wieku. Co więcej, im wyższa stawka bezrobocia, tym aktywniej ludzie starali się konsumować, a bardziej modne marki motywowały ich do zakupów.

Moda zaczęła zamieniać się w pełnoprawną część przemysłu rozrywkowego, który sprzedawał nie tylko ubrania, ale ideę nowej tożsamości i stał się wygodną formą eskapizmu, który mógł stłumić niepokój i stworzyć wrażenie dobrego samopoczucia. Nieprzyzwoicie bogate nowobogackie stały się nowymi modelami do naśladowania, reality show, takie jak „Lifestyles of the Rich and Famous” - super popularni prekursorzy „Kardashian Family”, a pojęcie „to jest też” zniknęło z codziennego życia w kontekście odzieży. Obsesja na punkcie statusu wielu stała się jedną z definiujących wartości w życiu, a sposoby jej osiągnięcia są drugorzędne. Koniec lat 80. został zaspokojony przez społeczeństwo, jakby wyczerpany własną rasą konsumpcyjną - jak się okazało, zakupy 24/7 nie są gwarancją szczęścia.

Punktem zwrotnym był „Czarny poniedziałek” 19 października 1987 r. - ostry i maksymalny upadek rynku giełdowego, zwany prologiem kryzysu gospodarczego lat 90. XX wieku. Moda zareagowała na chwiejną sytuację finansową na świecie, obracając się o 180 stopni: pokazywanie jej bogactwa w przeważającej sytuacji zaczęło być uważane za ruch, spadło tempo konsumpcji modnych towarów, a projektanci zareagowali na zmiany, oferując klientom surowy minimalizm. Phil Thornton, dziennikarz The Face, napisał na początku lat dziewięćdziesiątych: „Obfitość lat osiemdziesiątych minęła, i stało się jasne, co ambitne pragnienie przebrania się w taki sposób, aby poprawić swój status społeczny, może być pustą i wątpliwą grą”.

Jednak zwrot do nowego kursu zaczął się pojawiać w drugiej połowie lat 90., kiedy francuskie domy mody zaczęły zapraszać młodych i ambitnych projektantów jako dyrektorów kreatywnych, którzy nie byli zainteresowani grą według zasad minimalizmu. Po przejęciu historycznych marek biznesmeni pod przewodnictwem Bernarda Arnauda i Francoisa Henri-Pino postanowili zamienić modę w pełnoprawne narzędzie do zarabiania pieniędzy, i dlatego konieczne było przekształcenie pokazów mody w programy rozrywkowe, a rzeczy pokazywane na wybiegach w obiekty marzeń , pragnienie posiadania, które zachęcałoby społeczeństwo do kupowania perfum, akcesoriów i innych drobiazgów. Zakończenie recesji gospodarczej w 2001 r. I przejście do jednej z „najgrubszych” dekad, siedząc wygodnie na olbrzymim odwiercie naftowym, stało się doskonałą podstawą do przywrócenia mody do ostentacyjnej nadmierności: kupuj, aby być szczęśliwym.

Tak więc dzisiaj wciąż i wciąż słyszymy o powrocie nie tylko do 1980 r., A nie do zera, ale lista najważniejszych trendów w przyszłym sezonie obejmuje aksamit, żakard oraz obszerne ramiona, cekiny i kolorowe futra. Po części wszystko można sprowadzić do faktu, że ludzie są po prostu zmęczeni snobistycznym minimalizmem z 2010 r., Który od lat 90. wiąże się z ich maksymami takimi jak „jeśli potrafisz docenić taką intelektualną modę, jesteś wystarczająco inteligentny i zaawansowany”. Ale oczywiście to nie tylko to.

Jeśli uznamy, że moda jest formą eskapizmu, który w jakiś sposób przejawiał się w historii, możemy założyć, że dzisiaj znowu usiłujemy ukryć się za surową rzeczywistością za jasnymi, pod każdym względem ubraniami. Kiedy na świecie zdarza się jedno straszne wydarzenie za drugim i prawie nikt nie czuje stuprocentowej pewności siebie w przyszłości, gdy obawy o modę i wartości materialne odbiegają od peryferii uwagi publicznej, marki muszą szukać nowych sposobów na przyciągnięcie widzów.

Projektanci tworzą ulotny obraz radości i dobrego samopoczucia, motywując ludzi do kupowania nie tylko rzeczy, ale porcji endorfin. Konsumenci z kolei są gotowi do gry - po prostu dlatego, że czasami łatwiej i lepiej jest ukryć się pod kopułą zewnętrznego optymizmu, niż frustruć o tym, czego nie możemy zmienić. Luksus i poświęcenie etykiet dla współczesnego pokolenia to nie tyle pragnienie rzucającej się w oczy konsumpcji, co ironiczna gra z pojęciami statusu, próba śmiechu z kryzysu, czy po prostu chęć założenia maski.

Zdjęcia: Gucci, Céline, Jil Sander, Wikimedia Commons (1, 2, 3), obszar, biel