Sofia Coppola: Jak wydostać się z cienia ojca, opowiadać historie kobiet

Pod koniec Festiwalu Filmowego w Cannes Sofia Coppola Otrzymał nagrodę reżysera za dramat „Fatal Temptation”, który trafi do rosyjskiej wypożyczalni pod koniec lipca. To jej trzecia ważna nagroda po Oskara za najlepszy oryginalny scenariusz („Zagubiony w tłumaczeniu”) i główna nagroda, Złoty Lew, na Festiwalu Filmowym w Wenecji za Gdzieś.

Oprócz Coppoli, w historii Cannes, kobieta zdobyła nagrodę za reżyserię tylko raz - w 1961 roku. Następnie do filmu „Opowieść ognistych lat” została nagrodzona nasza rodaczka Julia Solntseva. Jeśli początkowi kariery Sofii Coppoli towarzyszyły pobłażliwe komentarze w duchu „ty znasz swoją córkę”, to po dwudziestu latach jej determinacja i umiejętności na planie nie są już przez nikogo kwestionowane. 46-letnia Coppola jest jedną z niewielu reżyserek współczesnych, znanych nawet z dalekich filmów. Rozumiemy, w jakim momencie dziewczyna i bohaterka plotek znalazły się w kinie i co z tego wyszło.

„Chcę podziękować Romanowi (Coppola, brat i producent Sofia. - Około Ed.) i przyjaciele, którzy mnie dopingowali, kiedy utknąłem na stronie 12, „- Sofia Coppola przytula statuetkę Oscara za najlepszy oryginalny scenariusz. Delikatna, w prostej i eleganckiej czarnej sukience, kilka miesięcy przed zdobyciem prestiżowej nominacji do Złotego Globu „ale wciąż wygląda na zaskoczonego i nie dziwi wymową. Dzięki tacie, dzięki mamie, dzięki wszystkim, którzy są w kadrze - w Sofii Coppoli z ważną nagrodą można zobaczyć wszystko, z wyjątkiem dumy i pewności siebie.

Są to jej pierwsze kroki w świecie nagród filmowych i uznania zawodowego: zaczynają wierzyć w nią, gdy tylko rodzice i przyjaciele od lat wierzą. Od samego początku w rozmowach o Sophii Coppoli pojawiły się plotki na temat nepotyzmu: angażowanie się w kino, kiedy twój ojciec jest uznanym klasykiem, jest znacznie prostsze, a Sophia nigdy temu nie odmawiała. Jednak nie wszystkie dzieci wielkich ludzi z dobrym dziedzictwem są w stanie pozbyć się przywilejów - iw tej dokładności można im tylko pozazdrościć.

Ulubione dziecko w dużym domu

Ścieżka Sophii jest scenariuszem szczęśliwego dziecka ze słynnej rodziny, który wychował się w taki sposób, że kreatywność wydawała się najbardziej rozsądna z zajęć. W wywiadzie, którego Coppola nadal nie lubi, pamięta nie tylko swojego ojca, którego mogła przyjść na scenę w dowolnym momencie, ale także jej matkę, która wierzyła, że jej córka w niczym nie ustępuje swoim braciom.

Dzieciństwo i okres dojrzewania Sofii były burzliwe: potem odbył się staż w słynnym domu mody, przyjaźń z głównymi bohaterami rockowymi pokolenia i odbyła się szybka wizyta w szkole filmowej. Coppola spędzał dużo czasu i przyjaźnił się ze wszystkimi, którzy byli niestrudzenie obserwowani od końca lat 80., od obiecujących projektantów po gwiazdy MTV. W telewizyjnym serialu z początku lat 90. „Hi-Octane”, który Sofia sfilmowała ze swoją przyjaciółką, innym słynnym dzieckiem w Hollywood, Zoyą Cassavetis, pojawiła się grymas, zrelaksowana pewność siebie i całkowity brak lęku przed aparatem - jednak w wywiadzie dla Sophii i Zoyi nie było nic specjalnego do powiedzenia: uderzające było to, że w towarzystwie Sonic Youth lub Beastie Boys było im o wiele więcej niż nonsens, niż zaimponowanie prezenterowi telewizyjnemu.

Podrzucając się między biznesem muzycznym i show-biznesu, Sofia po raz pierwszy odrzuciła kino: chciała pójść na modę, a nawet wypuścić własną linię ubrań, która jest nadal sprzedawana w Azji. Niewielu rodziców pozwala dzieciom zaczynać i rzucać rzeczy dziesiątki razy, aw życiu Coppoli było wiele prób zrobienia czegoś innego niż kino: po odgrywaniu roli w „Ojcu chrzestnym - 3” i zastraszaniu w prasie, mówią, córka mojego ojca gra gorzej niż log, Sofia Myślałem o wszystkim, ale nie o moich filmach. Wszystko zmieniło się, gdy w jej ręce wszedł bestseller Virginia Suicide o rodzinie purytańskiej w Michigan, gdzie przyjazne i piękne nastoletnie siostry mogły wydostać się z systemu przemocy domowej tylko kosztem własnego życia. Sophia pracowała już nad filmem i nakręciła swój pierwszy metr, ale zdecydowała, że zostanie reżyserem dopiero wtedy, gdy obejrzy książkę o dziecinnych losach: postanowiła sfilmować ją za wszelką cenę.

Przegubowy kobiecy wygląd

Coppole jest niezwykły w chwaleniu lub wyjaśnianiu swojego wyboru, ale łatwo zauważyć, że kobiecy pogląd na historię ma dla niej fundamentalne znaczenie. W każdym z filmów reżyser wprowadza nie tylko silne i dobrze napisane (Coppola) bohaterki, ale także świadomie odmawia wymuszenia wydarzeń zgodnie z zaleceniami Roberta McKee. Z pierwszego krótkiego metra „Lick The Star” o trzynastoletnim gangu oderwania Sofia chce opowiadać historie, w których doświadczenia bohaterek odnoszą się do jej osobistego doświadczenia i wszystkich etapów dorastania, przez które przeszła, nawet jeśli wszystkie mają inne doświadczenia. Od zła dla całego świata dziewczęta u progu wieku przejściowego - dla tych, którzy zostali zamknięci w swoim własnym ciele i świecie konwencji dla mieszkańców zamkniętego schroniska dla kobiet. Świat dziewiczych samobójstw był zupełnie inny niż ten, w którym sama wychowywała się Coppola i dlatego była tak interesująca. Rodzina Francisa Forda i Eleanor miała najmniejszą obsesję na punkcie sztywnych zakazów i idei pobożności, i nigdy nie dzieliła dzieci na synów i córkę, która powinna po prostu grać według zasad.

W „The Difficulties of Translation” Coppola łagodnie balansował pomiędzy dwoma głównymi bohaterami, nie dając nikomu przewagi i ujawniając młodą Scarlett Johansson na równi z uznaną gwiazdą Billem Murrayem. Pozostawia obu bohaterom wystarczająco dużo miejsca, abyśmy mogli poczuć ich wyobcowanie i codzienną nudę, a wraz z nimi porywające burzliwe noce w Tokio, automaty do gier i zawieszone na imprezie, gdzie zarówno śpiewają karaoke.

W Marie Antoinette Coppola przyjeżdża do Wersalu, aby nakręcić tradycyjny biograficzny film z dworzanami rozciągniętymi jak struna, ale okropną historią błędnie zinterpretowanego losu - dziewczyny wziętej jako zakładniczka w sąsiednim kraju jako nastolatka, chociaż wówczas nazywano to małżeństwem dynastycznym. Jej uwolnienie przychodzi przez partie, macierzyństwo, zakochuje się, próbuje poczuć jej ziemię pod stopami, gdzie każda minuta jest regulowana, a jej status, z wszystkimi oficjalnymi regaliami, jest niższy niż toaletka w jej własnej sypialni. Marie Antoinette, kobieta w formie nieuporządkowanego rozkazu, zawodzi, ponieważ nie została stworzona z myślą o roli, jaką pełnią dla niej dorośli.

Kolejny film Sophii nie dotyczy jej relacji z ojcem (jak zwykli plotkować w czasach „Gdzieś”), ale tego prostego i zwartego świata Los Angeles, w którym dorastała i z którą była zbyt znajoma. Rutyna celebryty zostaje przerwana, gdy odwiedza go córka - najbliższa i najdokładniejsza i najbardziej wyrozumiała i wymagająca osoba w zamian, z którą główny bohater prawie nie ma czasu. Film o powrocie do siebie poprzez bezpośrednią komunikację i nic nie robi, przełamuje tradycję filmów rodzic-dziecko, gdzie dogmatyzm i urazy idą w parze. Zamiast dawać lejce bohaterowi ojca, Sophia delikatnie pyta: „A co z córką? Czy dziecko nie może wpływać na rodzica?” - i odpowiada kameralnym i bardzo ciepłym filmem o intymności, gdzie niewiele się dzieje.

„Elite Society” w rękach Sofii Coppoli zamienia się z nagłówka gazety w bezczelny i wesoły film o dynamice grupy i zbrodniach bez kary: Coppola wyraźnie mówi w tym filmie o wpływie i przywilejach pokolenia kalifornijskich nastolatków, którzy marzą o kopiowaniu i byciu kimś innym. I w tym znowu jest bardzo mało dogmatów i wielu poprawnych komentarzy na temat szesnastolatków - Sophia nigdy nie przestała obserwować całej swojej kariery.

„Fatalna pokusa” pokazana w Cannes ponownie ukazuje kobiecy wygląd, a podczas czwartej fali feminizmu krytycy nie wahają się zadawać Coppoli bezpośrednich pytań o to, czy robi projekt feministyczny, i nie zaprzecza, że przerabia dla siebie klasyczną historię. Oryginalny film „Oszukany” z 1971 r., Który powtarza Coppolę w fabule, został nakręcony z punktu widzenia człowieka, który wpadł w pułapkę własnej męskości i ręce kobiet w pensjonacie spragnionym pieszczot. Wśród kilku bohaterek narrator jest nadal człowiekiem - sytuacja odzwierciedlająca narrację tamtych czasów, którą Sofia Coppola świadomie przesuwa. Widzimy kilka wieków kobiecości i żyjemy w związku w zamkniętej grupie, gdzie człowiek, czując się panem sytuacji, nie jest tak naprawdę.

Modern Hollywood vs New

Jedną z ciekawych cech Sophii Coppoli, widocznej w wywiadach i sprawach publicznych, jest to, że doskonale wie, komu i co zawdzięcza sukcesowi, i nie stara się wyglądać jak autorka, gryząc każdy nowy film lub następcę, od którego wszystko spadło niebo. Jest reżyserem niezależnego filmu z filmami, które nie zawsze zbierają pieniądze, sprawiają, że film od początku do końca jest długi, ponury i szczegółowy: sześć lat to cykl życia jej filmu od pomysłu do realizacji. Jej główni asystenci w produkcji zawsze byli bratem Romanem i ojcem - z którym tak lubi porównywać.

Francis Ford Coppola jest duszą i motorem Nowego Hollywood, jednego z najciekawszych trendów w kinie XX wieku, zrodzonego ze szczątków starego hollywoodzkiego systemu studyjnego. Dorastając jako rzemieślnicy w kategorii przemysłu filmowego B, Coppola i jego rówieśnicy (Scorsese, Spielberg, De Palma, Friedkin, Cassavetis) byli pierwszymi od wielu lat, którzy zatwierdzili prawo do ostatecznej edycji - to jest pełną kontrolę nad całym filmowanym materiałem i tym, co weszło do film. Nakręcali wczesne prace niezależnie i znali cenę każdej klatki, każdego aktora i każdy błąd scenariusza. Ktoś w tej sytuacji częściej odnosił sukcesy (Spielberg), ktoś triumfował na przemian z porażką (w rzeczywistości, sama Coppola), ktoś wydawał pieniądze zarobione w przemyśle hollywoodzkim na produkcję niekonwencjonalnego kina (Cassavetis). Wiele filmów ojca Zofii zawiodło w kasie, inni nie otrzymali uznania na czas, i pomimo iluzorycznej wszechmocy, nowe pokolenie Hollywood często chodziło po cienkim lodzie - balansując między ich dobrym imieniem, odważnymi scenariuszami i chęcią wytwórni do nieskomplikowanego projektu produkcji raz w roku, które wszystkie spadają.

Sofia Coppola jest reżyserem nowego pokolenia kina niezależnego, gdzie luki w wizji autora pozostają takie same. Podobnie jak jej ojciec nalega na ostateczną edycję i dlatego porzuciła obiecujący hit Disneya „Mała Syrenka”. Najczęściej utrzymuje średni lub mały budżet („Fateful Temptation” kosztuje 10 milionów dolarów, „Somewhere” koszt 7, a „Difficulties of Translation” - 4), prezentując filmy na festiwalach i nie martwiąc się o kasę. W wywiadach często podkreśla, że kobiety w przemyśle filmowym są znacznie mniej skoncentrowane na czerpaniu zysków z filmów i traktują awarie kroczące jako kolejny bałagan w trudnym i nieprzewidywalnym biznesie. Sofia nie chce filmować swojego Ojca chrzestnego, a pokolenie inteligentnych reżyserów Hollywood wygląda teraz inaczej. Coppola jest otoczony przez ludzi takich jak Wes Anderson i Noah Baumbach, była żoną Spike'a Jonze - i to jest krąg reżyserów, którzy pomimo swojej nazwy na festiwalach i w branży, często ryzykują, zawodzą w kasie i zginają palce krzyżem, aby uczynić ich nowymi film dał im spokój i możliwość sfilmowania kolejnego.

Ojcowskie ambicje, aby utrzymać skrypt pod kontrolą, napisz go samemu i wywieraj wpływ na producentów, którzy zostali przeniesieni nie tylko do Sofii, ale do całej nowej generacji autorskich filmów, gdzie reżyser prawie zawsze jest autorem pomysłu i ostatecznego tekstu. Nacisk został jednak przesunięty: i jeśli w New Hollywood nie zdarzyła się żadna bardzo udana kariera reżyserska wśród kobiet (był to męski klub i seksistowski czas), teraz jest to rzadki, ale możliwy scenariusz (Kelly Reichardt, Andrea Arnold, Lynn Ramsey - ta sama ważna część ruchu festiwalowego, co bardziej promowana Sofia Coppola). Ponadto w ekipach filmowych Sofia Coppola ponad połowa uczestników to kobiety, niezależnie od tego, czy są producentami, operatorami, kostiumografami, czy tylko asystentami na planie.

Słowo kluczowe: luka

Sophia pracuje nad tematem podatności na zagrożenia od czasu jej debiutu w Virgin Suicides, gdzie niepewność dzieci od rodziców jest podstawą przetrwania systemu. Główne odkrycia bohaterek i najbardziej bolesne doświadczenia wiążą się z bezbronnością: w chwili, gdy chcą samodzielnie zarządzać swoimi uczuciami, są one wyprzedzane przez nieuniknioną kontrolę rodzicielską i cenzurę. W „Trudnościach przekładu” wrażliwość zarówno niekochanych, jak i samotnych bohaterów jest uderzająca, ale wyrażanie oczekiwań i uczuć uczyni ich tylko smutniejszymi, dlatego mają do dyspozycji poglądy, piosenki, niewinne wspólne działania, rozmowę o rozpraszaniu uwagi i inne pół-podpowiedzi.

Bezbronność Marii Antoinette tkwi w jej płci: epoka nakazuje kobiecie być żoną i matką, a przed narodzinami dzieci razem z królem, młoda dziewczyna z Austrii po prostu nie jest postrzegana jako osoba niezależna, zawsze jest źródłem czegoś innego. Tragedia odgrywania roli, a nie odczuwania uczucia dla rodziny, jest tym, czego bezradna i przerażona bohaterka uczy się radzić sobie, zwiększając krąg bliskich i ludzi o podobnych poglądach wokół niej.

Kruchość relacji między ojcem a córką w „Gdzieś” jest podkreślona przez sytuację tymczasową: matka zostawia córkę ojcu na czas nieokreślony, a ledwie uformowana nić intymności może się w każdej chwili zerwać. Ich rodzina jest również krucha, ponieważ samolubny wybór kariery ojca daje mu zbyt mało osobistej przestrzeni nawet dla siebie: zasób uwagi, miłości i całkowitego czasu może zniknąć w każdej chwili.

W Elitarnym Towarzystwie podatność jest tym, co karmi nieletnich przestępców, którzy włamują się do domów celebrytów, by zmierzyć buty Paris Hilton lub ukraść torbę Megan Fox. Ich bezkarność, oczywiście, skończy się prędzej czy później, ale żyć tak, jakby nie było kary, a nie może być sztuki, której właścicielami są tylko ludzie z przywilejami, jak sam ironicznie twierdzi Coppola. W Fatal Temptation Sofia próbuje bezbronności wszystkich bohaterów po kolei: to żołnierz, który zranił nogę, który nie może opuścić zamkniętego społeczeństwa bez uzdrowienia, oraz niewielka grupa kobiet i dziewcząt z syndromem sztokholmskim, którzy odczuwają własny ból i przyjemność.

Talent do łączenia wszystkiego na raz

W młodości Sofia Coppola marzyła o tym, by zostać redaktorem naczelnym magazynu o modzie i nie bez powodu: jej światopogląd i spojrzenie na życie pozwalają jej zebrać teksturę do filmu, nie pytając nikogo o radę. Nie potrzebuje żadnych wskazówek, by zrozumieć, że Brian Ferry jest doskonałą ścieżką dźwiękową zarówno dla daty bezgłośnej, jak i wstępnej dla reklamy z Imogen Putts. Doskonale zdaje sobie sprawę z buntowniczej muzyki lat 80., by zebrać alternatywny OST pod koniec XVIII wieku z New Order i The Cure. Wystarczy, że będzie musiała pływać przed Jurgen Teller w basenie z butelką perfum Marc Jacobs: Sofia jest taka spokojna, zrelaksowana i radosna, że sprzedaje pomysł perfum bez wydawania wysiłku.

Wie, jak dotrzeć do Wersalu na preferencyjnych warunkach, aby strzelać do pałaców i parków, i znajduje idealne zastosowanie dla zdobywcy Oskara kredensu Mileny Canonero. Potrafi zamienić notatkę o złodziejach z Vanity Fair w dyskretny esej o duchu czasów i pragnieniu aprobaty - i bierze ostrzał z serca Nowego Hollywood, aby umieścić w nim swoje ulubione aktorki Kirsten Dunst i El Fanning. Przerabia historię nieudanego przeniesienia się do Tokio w smutną opowieść o zdezorientowanych nieznajomych w mieście możliwości, gdzie niczego nie chcą. I zastanawia się, jak zapakować codzienne rozczarowanie Hollywood w te szczęśliwe chwile intymności i szczęścia, które zapamiętamy na samym końcu. Coppola nie ma sobie równych, jak łączyć wspólne miejsca z różnych epok i stylów, aby mieć nowe znaczenie, tak jak w przysmaku, z którym to robi.

Zdjęcia: Getty Images (1, 2), Eternity Pictures, NALA Films, Focus Features