5 subkultur, które wpłynęły na współczesną modę
Wpływ subkultur na modę Nie sposób przecenić - nie powinieneś po raz kolejny mówić o roli, jaką odegrały w nim moda, glam rock, punk i Vivienne Westwood z lat 70., hip-hop i buffalo z lat 80. lub 90.. Od połowy lat 60. do dnia dzisiejszego wielu projektantów inspirowało się stylem poszczególnych społeczności połączonych kodem kulturowym, ideologią i wyglądem (branża modowa zawsze starała się zjednoczyć ludzi w podobny sposób). Teraz poszliśmy na kurs i całkiem nieoczywiste przykłady. Mówimy o nie najsłynniejszych, ale wpływowych subkulturach - od meksykańskiego cholo po zwolenników psychedelików z lat 70. - i tego, jak wpłynęły one na dzisiejsze trendy w modzie.
Cholo
Korzenie subkultury Cholo tkwią w młodym pokoleniu imigrantów z Meksyku, którzy osiedlili się w Stanach Zjednoczonych pokolenie lub dwa lata temu. Termin ten był pierwotnie używany w odniesieniu do lokalnej ludności Ameryki Południowej i Środkowej, ale w latach 60. XX wieku klasa robotnicza Meksykanów mieszkających w Stanach Zjednoczonych i przedstawiciele ich ruchu na rzecz praw obywatelskich, Chicano Movement, stali się znani jako Cholo. W rzeczywistości w tym samym czasie, w latach 60. XX wieku, nazwa „cholo” została wychwycona przez kryminalną młodzież i zaczęła być wykorzystywana do samoidentyfikacji - tak powstała niezależna subkultura.
Początkowo tylko chłopaki należeli do cholo, nosili workowate spodnie, koszulki alkoholowe i sportowe trampki (nadal wśród popularnych marek cholo Dickies, Ben Davis i Lowrider), ale stopniowo dziewczęta sięgały po styl. W rzeczywistości kobieca wersja cholo różni się tylko makijażem: łukowate, wytatuowane brwi, usta otoczone ciemnym ołówkiem, strzały, oczy kota, a także charakterystyczna fryzura z wysokim stosem na czole i manicure, którego zazdrości Lena Lenina.
Cholo jako subkultura wzięło wiele z podziemnego hip-hopu, więc dziewczęta chola na słodką duszę wiszą ze złotymi błyskotkami o różnym stopniu ciężkości (ale chłopaki, tak na marginesie, nie do końca). Stopniowo, z miejskiej kultury obszarów o niskich dochodach w Los Angeles i San Diego, subkultura Cholo stała się głównym nurtem, podjętym najpierw w popkulturze (Fergie i Gwen Stefani były jednymi z pierwszych), potem w modzie. W rezultacie stylista Mel Ottenberg rzeźbi cholę z Rihanny, magazyn Dazed & Confused sprawia, że zdjęcia cholo, a projektanci poświęcają chola dziewczętom do kolekcji, aby przypomnieć sobie przynajmniej sezon wiosna-lato 2014 Rodarte i Nasir Mazhar.
LGBT hip-hop
LGBT hip-hop lub, jak to się nazywa, homo-hop, pojawił się u zarania lat dziewięćdziesiątych w Kalifornii. Początkowo homo-hop nie był pozycjonowany jako osobny kierunek muzyczny, ale służył oznaczeniu społeczności LGBT na scenie hip-hopowej. Sam termin został wprowadzony przez Tima T. Westa, członka zespołu Deep Dickollective. Homo-Hop głośno zadeklarował się w latach 90. na początku nowego tysiąclecia (z wyjątkiem, być może, filmu dokumentalnego „Pick Up the Mic” z udziałem głównych wykonawców Homo-Hop naszych czasów), aby odrodzić się wraz z nadejściem roku 2010.
Nowe pokolenie hip-hopowych wykonawców nie tylko nie ukryło swojej niekonwencjonalnej orientacji seksualnej (Frank Ocean stał się jednym z pierwszych afrykańsko-amerykańskich wykonawców, którzy wyszli, a Azilia Banks nie ukrywa swoich biseksualnych skłonności), ale także aktywnie, często w tekstach, wspiera LGBT ruch Warto zauważyć, że początkowo Homo-Hoppers w ogóle nie mieli żadnych specjalnych znaków wyróżniających się pod względem odzieży, a artyści grający prosto na czele flirtowali z kulturą przeciągania: od Grandmastera Flash i Furious Five po World Class Wreckin 'Cru. Niemniej jednak, niektórzy konserwatyści są pewni, że Kanye West i Trinidad James, występujący w spódnicach, są wynikiem rozprzestrzeniania się gejowskiego ruchu w serialu hip-hopowym i gorszego niż Rihanna, wirującego w mikro-sportach i rowerach Le1f - żywego przykładu dyskryminacji męskości w ogóle i hip-hopu w w szczególności.
Moda męska w ostatnich latach na ogół starała się stopniowo usuwać granice płci - począwszy od głównego dyrygenta kultury ulicznej w branży luksusowej, Ricardo Tisci, który poprowadził modelowych chłopców na wybieg w spódnicach do najnowszych pokazów męskich. Na przykład Loewe pod kierownictwem nowego dyrektora kreatywnego Jonathana Andersona lub absolutnie pięknego Christophe Lemaire, po obejrzeniu, które dziewczyny tworzą imponujące listy życzeń.
Przypadkowi
Przypadkowi uformowali się w brytyjskim środowisku subkulturowym pod koniec lat 80., kiedy chuligani futbolowi porzucili mundury fanów na rzecz markowych ubrań i drogiej odzieży sportowej, aby przyciągnąć uwagę policji w jak najmniejszym stopniu. Styl, który zaczął być wykorzystywany przez przypadkowych ludzi, pojawił się znacznie wcześniej - w czasach walk w latach 50. i modów z początku lat sześćdziesiątych. Zbierając i trawiąc subkulturowe dziedzictwo swoich poprzedników, nieformalni wydali własną formułę wizualną: jeansy Fiorucci, adidas, Gola lub Puma, koszulkę polo Lacoste i sweter Gabicci.
Uważa się, że londyńscy chuligani zostali wprowadzeni na europejską modę uliczną przez fanów Liverpoolu, którzy towarzyszyli swojej ulubionej drużynie na wszystkich poziomach europejskich i przywieźli ze sobą mnóstwo drogich marek sportowych (w tym czasie adidas lub Sergio Tacchini). Pod koniec lat 90. kibice stopniowo odchodzą od oryginalnego wizerunku, a drogie markowe marki z kolei usuwają rzeczy związane z przypadkowymi sprzedażami (w szczególności Burberry stanął przed komórką marki).
Kolejny ruch zaczął rosnąć od połowy 2000 roku, a obecnie przypadkowi ludzie nie zawsze są oddanymi fanami piłki nożnej, ale łuk jest taki sam jak o świcie: obcisłe dżinsy, koszulka Palace, klasyczny model Reebok. Ten obraz (określmy go jako „lakoniczny i schludny”) można zobaczyć dzisiaj na manekinach Topmana oraz na wybiegach Burberry Prorsum i Paul Smith, aw kontekście subkulturowym chłopcy dorywczo nazywa się substytutem wykorzystywania ultra-mięśniowego dziedzicznego i przypadkowego hipsterizmu.
Zdrowy styl życia
Niejednokrotnie już pisaliśmy o tym, jak wielki wpływ ma sport na współczesną modę: rzeczy, które pierwotnie były przeznaczone na zajęcia w klubie fitness, teraz idealnie pasują do środowiska miejskiego, a obcasy ustępują miejsca wygodnym butom, takim jak trampki, trampki i slipy. Historia wzajemnego przenikania się mody i sportu można zaobserwować od połowy XIX wieku: w 1849 roku czasopismo Water-Sure Journal opublikowało artykuł wzywający kobiety do porzucenia ciężkich krynolin, które były wówczas modne na rzecz odzieży, która dawałaby większą swobodę ruchów. Dwa lata później znana feministka Amelia Blumer pojawiła się publicznie w spódnicy do kolan i szerokich spodniach, takich jak tureckie spodnie, nazwane później od niej jako bloomers.
Jednak bloomersowie doświadczyli prawdziwego boomu dopiero w latach 90. XIX wieku, kiedy kobiety zaczęły uprawiać kolarstwo, które wówczas było popularne. Ponadto echa motywów sportowych pojawiły się w kolekcjach zarówno Gabriela Chanela (ten sam materiał koszulki i modele inspirowane formą tenisa), jak i Elsy Schiaparelli (jej kolekcja Pour le Sport), a później - Emilio Pucci (odzież na narty), Yves Saint Laurent (garnitur na polowanie, w szczególności na kurtkę Norfolk), Azzedine Alaya i Roy Halston (najlepszy strój kąpielowy bikini), Karl Lagerfeld (dedykowany do surfowania w wiosenno-letniej kolekcji z 1991 roku dla Chanel), Donna Karan (sukienki z początku 1990 roku x z neoprenu) i wiele innych.
Oddzielnie, w tej chronologii warto podkreślić lata 70. - epokę, w której sport stał się ważną i modną częścią stylu życia. Pod koniec dekady wszyscy mieli obsesję na punkcie aerobiku i joggingu, nie tylko z powodów obiektywnych dla zdrowia, ale także dlatego, że uznano go za seksowny, a moda z kolei stała się platformą, na której sport i seks połączyły się w jedną całość. Tak więc w sferze modnego wzornictwa aktywnie wykorzystywano polary, lycrę, mahr, poliuretan, materiał spadochronowy, a dziewczęta nosiły plastikowe osłony jako modny dodatek.
Od początku nowego stulecia, sporty wciąż przechodzą przez kolekcje mody prawie co sezon, ale kolejna poważna fala popularności pojawiła się w 2012 roku, co wielu ludzi kojarzy w szczególności z Igrzyskami Olimpijskimi w Londynie. Współpraca marek sportowych z projektantami mody zaczęła pojawiać się z godną pozazdroszczenia popularnością: adidas ze Stellą McCartney, Jeremy Scott i Mary Katranza, Nike z Ricardo Tishi, a podium miało oczywisty wpływ na styl sportowy - wystarczy przypomnieć kolekcje tego samego sezonu Stella of FW 2012 / 2013 i SS 2013, Alexandra Wang dla własnej marki w sezonie SS12 i tej wiosny dla Balenciagi, Givenchy jako główny promotor bluz we wszystkich paskach, Prada i Emilio Pucci sezonu SS14. Ogólnie lista jest nieskończona. Oczywiście jedno - wszystko razem doprowadziło do tego, że dziś odzież sportowa jest postrzegana w sposób nierozerwalny z życiem codziennym.
Psychedelia
Leki psychotropowe stały się częścią subkulturowego życia w Stanach Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii w połowie lat sześćdziesiątych: generalnie ideologia psychedeliczna wyrażała się w opozycji do zachodniego świata konsumpcjonizmu i, naturalnie, próbując uciec od rzeczywistości. Po „Summer of Love”, które wydarzyło się w 1967 roku, kontrkultura w końcu ukształtowała się w hipisowskim ruchu, który wyniósł w kult nie tylko zasady pokoju i miłości, ale także powszechne stosowanie substancji psychotropowych, takich jak LSD.
Pozostając w stanie zmienionej świadomości, w szczególności sugerowanej hipertroficznej percepcji kolorów, tekstur i obrazów, znacząco wpłynęło na powstanie typowego hipisowskiego obrazu i rozwoju grafiki: zastosowano kwaśne odcienie, gładkie, jakby płynące sylwetki, teksturowane tkaniny. Nawiasem mówiąc, popularność tradycyjnego indyjskiego wzoru Paisleya została wyjaśniona w ten sam sposób - w czasach narkotyków kolorowe „ogórki” były złożone w zabawne zdjęcia. Krótko mówiąc, wszystkie sztuczki w ubraniach sprawiły, że doznania psychodeliczne były jeszcze bardziej spektakularne.
Głównymi przewodnikami mody psychedelicznej były butiki Paraphernalia w Nowym Jorku i Granny Takes a Trip w Londynie, gdzie sprzedawały elementy projektu Thea Porter, Zandra Rhodes, Jean Muir i Ozzie Clark. Dziedzictwo psychedelików można uznać za gwałtowny ruch późnych lat 80. z jego kwasowymi kolorami T-shirtów, piekła Tai-Dai i plastikowej biżuterii - wszystkie te sztuczki naraz przyniosły obrażenia, a Franco Moschino i Gianni Versace.
Psychedelic-estetyka również nie oszczędzała mody współczesności - głównie w postaci neonowych kolorów, które od 2007 roku zaczęły pojawiać się w kolekcjach z godną pozazdroszczenia stałością. Jednak nie tylko oni: jeśli się nad tym zastanowić, tak ukochane (dziś jednak nie bardzo) kalejdoskopowe cyfrowe odbitki to nic innego jak echo przyjaznych psychedelikom wzorów z lat 70., a także powrót rzeczy z lat 70. i tai-dai ogólnie. W szczególności powszechne stosowanie druków optycznych w jesiennych kolekcjach tego roku.